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二十世紀的部分取材自我從一九五四年第一部劇情片《短角情事》到一九九六年最後一部劇情片《101夜》，這中間我拍了紀錄片、劇情片、長片、短片。第二部分來到了二十一世紀，小型數位相機帶我踏入了紀錄片的世界，從二○○○年作品《艾格妮撿風景》到二○一七年和JR合作的《最酷的旅伴》，這期間，我大部分時間都將作品視為一件裝置藝術、非典型的三聯畫，而我也持續以紀錄片的形式創作，像是拍了《沙灘上的安妮》。在這兩個時期中間，也喚起了我最一開始是以攝影師起家的記憶，我這一生創作了非常多元種類的電影，所以我也想藉此機會告訴大家：是什麼讓我得以投身電影工作這麼多年。
▲《安妮華達 最後一堂課》本片的結尾也很巧妙地選用了安妮華達與JR的前作《最酷的旅伴》當中，一場兩人並肩坐在無人的海灘，任風沙慢慢模糊、消失的鏡頭（圖／天馬行空）有三個字對我相當重要：靈感、創作、分享，「靈感」是你拍電影的初衷，是動機、概念、環境、機緣，靈感是所有刺激創作欲望的催化劑，讓你能下定決心去做部電影；而「創作」是你如何去拍電影，採用什麼方法？什麼結構？獨自或協力？黑白或彩色？創作是項大工程！第三個字是「分享」，拍電影不是拍給自己一個人看的，而是為了得以展示在眾人眼前，空蕩蕩的影廳永遠是電影工作者的噩夢。「人」是我的作品中心，真實的人！這是為什麼我不時會提及那些我在城市或是鄉村拍攝的人們。
當你在拍攝某個東西，一個地方、一幅風景、一群人，即使主題已經很具體，但你拍下的影像就意味著你處理這個主題的方式。我從不錯過任何機會去創造全新的裝置藝術，或是用新的方法來詮釋不同的主題，每一個計畫都不同，我喜歡結合現實和它的圖像，也喜歡將動態跟靜態影像並列，以影片跟攝影的方式呈現。
▲《安妮華達 最後一堂課》安妮華達甚至在片中，帶領觀眾重返桑德琳波奈兒當年在電影《無法無家》的「流浪」現場（圖／天馬行空）對於我的鏡頭，我一向坦誠相待，但我從來沒有想過我可以改變這個世界。J R曾說，藝術可以改變世界；不，我覺得我們也許可以改變人們的心性，或是我們可以改變人們對於世界、對於其他人們的觀點。能夠做為一個正直坦率的導演，這已經是件相當重要的事了，至於其他的，就聽天由命吧。
以後我還是會繼續創作藝術，但拍片實在太累了，我不想再那麼耗神了，我想要原地停留一下，平靜、好好享受、甚至靜靜地回憶就是非常美好的一天。我很享受每個當下，就算是看到鬱金香凋零，我都愛死了，你等得越久，他們會長得越怪，就像是在《艾格妮撿風景》裡那些心型的馬鈴薯一樣，我很享受那個老化的過程，我喜歡看老化時發生的各種事情，我喜歡老化帶來的皺紋，還有手上的變化，我全都愛！我享受著老化，也喜歡看到所有事物隨著老化自然地、模糊地崩壞。我有一件作品叫做「馬鈴薯烏托邦」，是一幅馬鈴薯的三聯畫作品，我一直保存著那些馬鈴薯，繼續觀察它們如何老化。逐漸凋零的馬鈴薯真的很美，你們應該去感受一下，別再受苦了，活得像顆馬鈴薯一樣吧！
