臺北文創／那些讓人被打動的瞬間　陳彥志與陳建騏談創作與現場

一項英國研究指出，每兩週參加一次演唱會的人，擁有更高的幸福感、充實感與自尊，只要參與 20 分鐘的音樂現場活動，幸福感就能提升 21%；若能維持每兩週一次的頻率，壽命甚至可能延長 9 年。究竟是什麼，讓一場短短幾個小時的演唱會，擁有如此深刻的影響力？

名家會客室《From AI to I》系列講座最終場，邀請必應創造設計總監陳彥志與三金音樂製作人陳建騏，從演唱會幕後創作的視角，分享那些讓人被打動的瞬間。一位負責演唱會的視覺敘事，一位掌管音樂的情緒節奏，從不同的創作位置出發，共同追尋一件事：如何讓一場表演，不只是一次演出，而是一段無法被複製的生命記憶。

演唱會就像一場帶有音樂的旅行

「我覺得演唱會，它其實有點像一場帶有音樂的旅行。」在必應創造設計總監陳彥志眼中，一場旅行有既定的行程，也有途中與人、與環境互動的過程，更會因為那些無法預期的意外，而留下最深刻的記憶。演唱會也是如此，從等待開演、踏入場館，到燈光暗下、音樂響起，甚至散場後仍久久縈繞心中的情緒，都屬於這場旅程。

因此，設計演唱會的媒介，從來不只存在於舞台螢幕上。五月天的環場巴士，讓表演延伸至整座場館；麋先生邀請馬戲團同台演出，讓歌曲化為立體的劇場敘事。又例如國外拉斯維加斯 Sphere 場館透過環繞影像、震動座椅、風與氣味，打造全感官的沉浸式體驗；而 Lady Gaga 的演唱會，從歌迷精心打扮、排隊入場的那一刻開始，演出便已悄然展開。

陳彥志也分享了一段令他至今難忘的觀眾回饋。五月天〈我不願讓你一個人〉的視訊設計，以一棵從舞台中央緩緩生長的生命樹作為核心意象。樹木從地底竄出，機關也順勢托高了五月天，能量沿著樹幹向上流動，最後在枝梢化作煙火綻放天際，而五月天則站立其中，彷彿承載著這股生命力。這段原本單純是以五月天團員為中心的視覺設計。

然而，演出結束後，一位歌迷的分享，卻讓他重新理解了這件作品。歌迷寫道，當全場亮起與畫面相同色彩的螢光棒時，每一位觀眾就像是生命樹深埋地底的根，手中的光沿著螢光棒匯聚成能量，經過五月天，再一路向上流向枝葉，最終綻放成夜空中的煙火。那一刻，舞台上的樹不再只是視覺設計，而是連結歌手與觀眾的共同生命。

「哇，我看了其實很感動。」陳彥志笑著說。因為那樣的詮釋，早已超出創作團隊最初的想像，觀眾亦成為舞台美術的一部分，賦予了作品新的意義，這也正是現場最珍貴、最難被複製的價值。

創作者真正設計的，是人與人之間的連結

提到自己最難忘的一場演唱會，陳彥志分享，2016 年在臺北 Legacy 觀看日本樂團魚韻（サカナクション）演出〈Neptune〉時，整個場館幾乎沒有燈光，觀眾置身於伸手不見五指的黑暗，只剩下音樂、呼吸聲，以及空間裡細微的震動。他雙手插著口袋，閉上眼睛，任由自己隨著音樂緩緩下沉。多年後，那份身體留下的記憶依然鮮明。

演唱會設計所創造的，正是那些身體親自感受、無法被複製的記憶。舞台上的每一個畫面、每一道燈光、每一個細節，最終都指向同一件事——讓歌手、觀眾，以及所有參與其中的人，共同完成一段值得帶走的回憶。

談到 AI 這個命題，陳彥志認為，AI 可以協助生成畫面、縮短製作流程，甚至在緊急時提供不少幫助；但真正困難的，始終是「選擇」。「我們知道什麼是我們要的，也知道什麼會打動觀眾。」比起擔心 AI 取代自己，他反而更擔心另一件事。「如果有一天，你眼中沒有光，心中沒有火，失去了那種衝動、渴望與熱情，你就做不出能感動別人的作品。」他坦言，自己也曾一度陷入創作疲乏。後來，他重新拿起相機，用拍照重新找回對世界的感受。他認為，成為一個有感覺的人，比任何工具都更重要。因為無論是藝術、設計，還是人生本身，真正能創造作品的，是那顆願意感受世界，也願意持續與人連結的心。

在數位寂寞的時代，重新找回現場的溫度

談起 AI 對創作的影響，陳建騏沒有急著討論技術，而是先談起另一個他更在意的現象——數位寂寞。他觀察，過去人們常說數位時代帶來的是「數位冷漠」，但他認為，更貼近當下的，其實是「數位寂寞」。每個人都存在於不同的群組、社群平台與聊天室，看似隨時保持連結，卻也更容易感受到彼此之間遙遠的距離。一句簡單的「好啊」、「OK」，無法看見對方的眼神與表情，也難以真正感受彼此的情緒。

相較之下，現場演出之所以無可取代，正因為所有感受都是真實發生的。「呼吸、歡呼聲、螢光棒拿起來或放下，每一個反應，都是參與的一部分。」對陳建騏而言，演唱會、劇場、音樂會的價值，不只是作品被呈現，更是在同一個時間、同一個空間裡，人與人共同創造了一段無法重來的經驗。因此，他也鼓勵大家多走進現場，因為唯有真正置身其中，才能感受到數位世界無法取代的溫度。

在感性與理性之間

「創作，其實就是把感性的語言，轉化成可以被感受到的形式。」陳建騏分享自己的養成歷程。並非音樂科班出身的他，在高中、大學時期透過話劇社接觸劇場，並開始為戲劇創作配樂。劇場教會他的，從來不只是音樂，而是如何將導演口中的一句「像河流一樣」、「像少女逐漸崩潰的心」，轉譯成旋律、和聲與節奏，讓抽象的情感成為觀眾能夠感受的聲音。在他眼中，創作始終建立在感性與理性的交會。感性決定作品想傳達的情緒與故事，理性則思考如何透過音樂、影像、燈光與設計，讓這份感受真正落地。

他以劉若英演唱會的安可段落為例。劉若英經常以〈給十五歲的自己〉作為安可開場，回望生命中的遺憾、成長與未竟之事。為了讓演出產生新的驚喜，團隊選擇加入〈我喜歡你現在的樣子〉，讓兩首歌形成彼此的回答：即使人生無法重來，也仍能接受走到此刻的自己。陳建騏並未讓一首歌唱完，再接上另一首，而是將兩首歌的主歌、副歌與歌詞彼此交錯。他先憑感覺尋找歌詞之間的關係，再回到和弦、調性與編曲，理性地解決兩首歌如何共存。

另一個例子，是五月天〈諾亞方舟〉的編曲。他試圖用聲音描繪「從黑暗走向光明」的感受，沒有依循既有公式，而是憑著直覺，讓弦樂從低頻一路攀升至高頻，並刻意加入許多不完全和諧的音程，使音樂在不穩定與釋放之間流動。這些看似「不合理」的選擇，反而構成了作品獨有的情緒。

「我不確定 AI 可不可以有這個想法。」對陳建騏而言，原理讓想法得以實現，真正決定作品樣貌的，始終是創作者的生命經驗與感受。他認為，音階、和弦、編曲原理，乃至 AI，都只是創作者手中的工具。AI 所學習的是無數創作者留下的資料，但一個人的劇場經驗、工作歷程、人際關係與生命故事，如何沉澱成獨有的內在邏輯，並在某個瞬間化為沒有標準答案的選擇，仍是創作最難被複製的部分。

人之所以珍貴，從來不是因為完美，而是因為會犯錯、會猶豫，也會依循感受，做出不完全合理的決定。那些帶著直覺、甚至留有瑕疵的選擇，往往才讓作品擁有無法被演算法預測的溫度。

所有創作，最後都回到人

從演唱會是一場旅行、人與人的連結，到感性與理性的選擇，兩位講者不約而同提醒我們：真正被記住的，不是最精準的技術，而是那些來自人的感受、生命經驗，以及願意真誠與世界連結的心。或許，這正是《From AI to I》真正想談的，不只是 Artificial Intelligence，而是永遠無法被取代的 I。

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